«Черный квадрат» (1915) К. С. Малевича - данность, с который мы вынуждены были уже примириться. Писательница Татьяна Толстая в ироничной манере заключает, что созданием этой картины основатель супрематизма «раз и навсегда провел непереходимую черту, обозначил пропасть между старым искусством и новым, между человеком и его тенью, между розой и гробом». Действительно, художник ближе всех подошел к границе искусства. Только сделал он это не черным квадратом. На нем все не закончилось, картина «Белое на белом» (1918) продолжила движение, заданное черным и красным четырехугольниками, оказавшись вершиной обнуления. Почему же белый цвет в живописи оказался таким могущественным?
Цвет повсюду
Во многом умение работать с ахроматическими цветами предшествует практике цветной живописи. Через отношения между оттенками белого и черного любой ученик художественной школы тренируется в передаче объема, соотношений предметов на композиции. Так белый (в компании с черным) становится первым проводником в профессиональную живопись.
Неужели это все? Поняв правила игры, ученик оставляет эту краску, обратившись к разноцветной палитре? Белый цвет в живописи незаменим. Только акварель обходится без белил, у нее свои фокусы. В остальных случаях ахроматические краски выполняют вспомогательную функцию, смешиваясь с хроматическими цветами для распределения света и тени на предметах. Но вспомогательная роль тоже не звучит слишком солидно. Сам цвет так богат оттенками и переливами.
У художника в руках оказывается множество возможностей передать бесчисленное количество цветов и тонов, которые отражаются на белом. Они делают этот цвет-хамелеон всегда разным и бесконечным. Поэтому цвет зимнего неба, невинности, свободы и возвышенности любим художниками.
Знаменитые почитатели
Джеймс Эббот Макнил Уистлер создал небольшую серию картин «Симфонии в белом». Музыкальность, которую художник видел в живописи выразилась в удивительном однообразии цветов: близкие друг другу варианты белого рождают гармонию, а любая музыкальная мелодия должна сводиться к гармонии. Картины художника представляют нежные, мягкие цвета чистоты и благородства, среди которых «притаились» женственные фигуры, облаченные в одежды цвета слоновой кости. Художник нашел особенный способ отстранения от реализма: обратившись к легкому духу гармонии, будто случайно обретшему телесную форму.
Большим любителем белой живописи был импрессионист Клод Моне. Он, в отличие от Уистлера, искал вдохновения на природе. Ему удавалось изящно передать переливы на кремовом женском платье и мальчишеском летнем костюмчике («Женщина с зонтиком», 1875). Он не оставлял без внимания молочные скатерти на уличном обеденном столике («После ланча», 1873) или сливающиеся с небом снега на зимней улице («Снег в Аржантее», 1875). Картина получалась именно такой, какой ее видит глаз, со множеством оттенков и переливов на живущих своей жизнью предметах.
Близок Моне по искусству игры с белым Кустодиев. Его зимние пейзажи светятся холодным солнцем («Зима. Вариант картины «Масленица», 1916). Художник соединяет жемчужные пейзажи с контрастирующими с ними насыщенными, полными жизни и энергии цветами. Снежные сугробы будто отдают свою свежесть окружающим их людским постройкам и одеждам. Картины Кустодиева спорят с реальностью и выигрывают у нее: да, в настоящем мире мы можем не видеть такого разнообразия цветов, но разве живопись должна безоглядно следовать за реальностью?
Интересным образом Россия связывается на картинах художников с белым цветом. Снежная русская зима известна каждому, она полна красоты и чудес. Но и летние загородные усадьбы у классических художников облачены в жемчужные покрывала. Выходная одежда господ и детей, скатерти, зонтики от солнца, столовые сервизы, фартуки горничных - все сияло белизной и свежестью (Б. М. Кустодиев «На террасе», 1906; К. А. Коровин «За чайным столом», 1888).
Новые правила
Наполнив картины легкостью, безграничностью переливов, белый не остановился на достигнутом. Вечно желающие большего, художники открыли новые возможности цвета. Малевич положил начало конца старого искусства. Нанеся на кремовый холст будто движущийся вверх молочный квадрат он запечатлел чистое движение. Но Малевич, как бы ни были экстравагантны его действия, приложил усилие, выбрал цвет и создал настоящую картину: краска складывается в форму вполне различимого предмета.
Ближе к новому времени подошел молодой художник Роберт Раушенберг. В 1953 году ему в голову пришла революционная мысль: представить общественности стертый рисунок. Поскольку для этого не подходили его собственные творения, он попросил у коллеги, Виллема де Кунинга, один из его рисунков для полного его уничтожения. Насколько это ни было странно, мастер согласился и, после старательного удаления следов карандаша с бумаги, был готов очищенный светло-бежевый лист. Название этой удивительной вехи в истории искусства вполне соответствует действительности: «Стертый рисунок де Кунинга» (1953). Вуаля! Все узнали, что белый - самый безграничный из цветов (в этом с ним может поспорить только черный).
Вскоре за этим наступило время постмодерна и концептуализма. Новые художники убедились, что не нужно стараться и неделями уничтожать следы действительно созданной картины. Полное отсутствие сюжета, чистый лист сами по себе являются арт-объектами. Даже The Beatles выпустили альбом с совершенно чистой обложкой («White Album», 1968).
Ещё:
1. Как получить белый цвет
2. Как получить черный цвет
3. Как получить синий цвет
4. Красный в живописи – философия счастья и печали
*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.
