Искусство во многом оказывается отражением исторического времени и видения конкретного художника. А творчество нескольких художников, живущих в одном историческом контексте и видящих мир сходным образом, может быть связано общим набором стилистических приемов. Из них постепенно с некоторой условностью складываются стили и направления в изобразительном искусстве. Они словно кружатся в танце, попеременно заменяя друг друга, чтобы снова появиться в несколько измененном виде. Давайте узнаем, какие бывают стили рисования и кто к ним принадлежит.
Хорошо забытое старое
Названия многих стилей рисования всем известны. Начнем с Возрождения. После долгих веков Средневековья, воспевшего превосходство духовного над телесным, пришла эпоха Возрождения (или Ренессанса). Название такое она получила из-за возрождения интереса к Античности, вытесненному из культурного пространства средневековья. В творчестве художников вновь появляются любовь к жизни и интерес к окружающему миру, человеку. Земное снова занимает думы людей. Картины постепенно обретают реалистичность,. Но способы изображения действительности еще только предстоит найти и на поиски выходят новые мастера.
Художники Возрождения постепенно прощались с прошлым, они писали на религиозную тематику, но новым было их исполнение: начала применяться прямая перспектива (взамен средневековой обратной), в центр вышел человек в его телесности (Мазаччо «Изгнание из рая», 1426-1427).
Художники научились делать цельные картины, без смешения разных сюжетов. В ищущей гармонии стилистике ренессанса религиозные сцены представлялись более похожими на реальность, картины становились пластически достоверными. Интерес к античности помог художникам освоить пластичность и достоверность, основы перспективы живописцы тоже черпали из римских и греческих памятников. Человеческое сознание, благодаря перспективному восприятию пространства, расширяется до вместилища божественного (например, Джотто «Встреча у Золотых ворот», 1303-1306).
Развивающийся Ренессанс двинулся навстречу знаниям и открытиям. Знания и древние памятники, как в 90-е годы XX века, начали возвращаться, открываться людям. Живописцы с интересом взялись за исследование человеческой анатомии, до этого совершенно недоступной для изучения.
Захватывая все больше стран Европы, Возрождение, как стиль в живописи, достигло своего пика (Высокое Возрождение) в Италии начала XVI века. Любой назовет имена главных художников этого стиля: Леонардо да Винчи, занимавшийся искусством и наукой одинаково успешно, Рафаэль Санти («Автопортрет», 1506), Микеланджело Буонарроти («Мадонна Дони», ок. 1507), Тициан Вечеллио («Любовь земная и Любовь небесная», 1514), Джорджоне («Юдифь», ок. 1504-1505).
Их художественные достижения во многом становятся эталонными и для последующих поколений. Закономерно, что Италия стала центральной страной Возрождения. На улицах итальянских городов сохранились памятники Римской империи, с которыми соприкасались художники.
Интересно: именно во времена Возрождения стала применяться масляная живопись, пришедшая на смену темперы. Маслом стала возможной работа со светотенью, более мягкий переход между планами и слоями краски («Дама с горностаем» (1490), «Мона Лиза» (ок. 1503-1505), «Кающаяся Мария Магдалина» (ок. 1555-1565) и др.)
Возрождения не было в России, Античность не была прошлым русской культуры.
Как продолжение научного бума в 1585 году в Болонье открывается Академия изящных искусств. В ней ученикам преподавался строгий метод изображения предметов. Разработка метода вообще становится глобальной задачей в XVII веке, и значение Академии, предлагающей определенный метод обучения искусству, становится огромным. Определенный метод должен был помочь выработать стиль, который бы стал синтезом всего лучшего наследия предыдущих мастеров.
Так родился академизм - осмысленная, профессиональная живопись, написанная по строгим правилам. Цвета должны были быть гармоничными, мягкими, фигуры строго анатомичными. Но на пути к рациональному совершенству рисунка, академисты утратили вдохновенную легкость, что сильно сковывало их творчество. Несмотря на это, время академизма растянулось на века, что объясняется преемственностью и консерватизмом. Несложно догадаться, что художники-академисты не делали революции в искусстве, они только прилежно следовали традициям, обучая новые таланты.
К направлению принадлежат Поль Деларош, Александр Кабанель, Карл Павлович Брюллов, Александр Андреевич Иванов. Представителей академизма объединяют профессионализм, консервативность тем и сюжетов, точность техники, не позволяющая излишней субъективности. Под современным академизмом понимается следование классической технике, предполагающей высокое владение кистью. Таким образом, академизм не ушел из искусства, но отошел на задний план, уступив место новым направлениям.
Телесность и женственность
За Возрождением и Академизмом пришло торжественное, насыщенное барокко. Это направление в искусстве отличалось некоторой смелостью («Портрет Себастьяна Мора», ок. 1648), желанием авторов говорить со зрителями, способными находить ключи к своим картинам. Стиль стал доминирующим в западной Европе в XVII веке. Микеланджело Караваджо предложил обновленную работу со светом - фигуры будто выступают из мрака. Он разработал динамичную композицию с тесно взаимодействующими фигурами («Мученичество Святого Петра», 1600-1601).
В картинах испанца Диего Веласкеса пространство еще более усложняется («Менины», 1656-1657). Главные герои на полотне могут остаться незамеченными (это король и королева в зеркале на заднем плане). Их глазами зрители будто и видят все, что написано Веласкесом. Витиеватая композиция, которую мог спланировать только очень талантливый живописец.У него мифология и быт соединяются в пространстве одной картины («Христос в доме Марфы и Марии», 1618; «Триумф Вакха», 1628-1629). Это усложняет содержание, требует ключа к пониманию. Но соединение это выглядит все более естественным с развитием творчества художника.
Барокко сменил женственный рококо - нарочито внешне декоративный стиль, доминировавший в XVIII во Франции и Германии. Изящные, убранства комнат и картины в стиле живописи рококо узнаваемы по театральности, утонченной легкости стиля. Примерами этого стиля являются картины Франсуа Буше («Портрет Маркизы де Помпадур», 1754); Жан-Оноре Фрагонар («Щеколда», ок. 1777). Театральная тематика часто появляется на картинах этого стиля (Жан-Антуан Ватто «Венецианский праздник», 1718-1719). Продолжают появляться мифологические картины, тоже наполненные воздушными фигурами и пейзажами (Ф. Буше «Диана, отдыхающая после купания», 1742).
Ещё:
1. Направления в изобразительном искусстве
2. Стили в живописи эпохи модерн
3. Современные стили в живописи ХХ века
4. Красный в живописи – философия счастья и печали
*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.
